My Way of Thinking

Je vais être parfaitement franc. Y'aurait pas eu Matt Smith au casting, je suis pas sûr que j'aurais regardé ce film. Après, je dis ça parce que je suis actuellement en plein milieu de Doctor Who et que Matt Smith est trop bien. Mais bref. Eva Green est géniale, dans son rôle de femme tiraillée entre aimer un fils ou un amant.

Comment critiquer ce film... Ce film est un extra-terrestre, non pas de ceux qui voyagent dans une boîte bleue, mais un OVNI cinématographique. On assiste à un mélange des genres, d'un côté le drame, avec la mort de Thomas et de l'autre, on est jamais loin de la science-fiction, avec le clonage qui permet de faire vivre les personnes indéfiniment. Ou ressusciter des animaux morts depuis des millénaires (du genre les limules, oui, voilà). Bref, le clonage semble un peu être utilisé à tour de bras (et on assiste à un rejet sociétal, comme à chaque avancée scientifique ou sociale, en fait).

Ce film amène le clonage dans des recoins plus sombres qu'un simple clonage d'enfant décédé. En l'occurrence, c'est le clonage d'un petit ami shooté par une bagnole. Rebecca, qui était la petite amie de Thomas veut le cloner pour le refaire vivre. Cependant, et cela arrive très vite dans l'histoire, Rebecca a un choix à faire : celui d'aimer un amant, ou d'aimer un fils.

Ce film est déconcertant, déjà par son thème (ça fait un peu pléonasme, je sais), mais encore plus par la façon dont il est réalisé. Il n'y a pas de plan spatial a proprement parler, étant donné qu'on pourrait être dans n'importe quel pays dans la partie Nord de la planète ayant un bord de mer, ni de plan temporel. Quelques durées, jetées au spectateur, pour qu'il ne se perde pas trop ("12 years". "We were 9 when we met for the first time"). On peut supposer que Rebecca et Thomas ont 21 ans quand ils se rencontrent pour la seconde fois (avant que Thomas ne meurt). La photographie est magnifique, dans les tons de gris. Jamais de clarté, comme le ton du film, toujours lourd et pesant. Comme le poids du secret.

Depuis la mort de Paul Gray en 2010, SlipKnot est sur le déclin. Une pente qui, certes, a perdu de son intensité depuis la reprise des concerts des Neuf, mais qui continue inexorablement. Dans certaines interviews, il est annoncé que le groupe se réunirait en 2014 en studio pour un last album, qui viendrait clôturer la vie d'un groupe mythique et controversé. C'est dans ces temps incertains que nous pouvons voir les side-projects se multiplier. Stone Sour, de Corey Taylor, a pris une autre dimension avec le double album House of Gold and Bones, Part I et Part II, puisque le groupe a eu le privilège de faire tête d'aff à l'Ozzfest 2013 (en Mai dernier, au Japon).

Tout ce petit monde du nu-metal est actuellement en effervescence (avec la sortie récente de The Paradigm Shift, de KoRn, qui voit le retour de Brian Head Welch, qui avait quitté le navire en 2003, suite à la sortie de Take a Look in the Mirror), l'a été encore plus en début du mois (oui, j'ai pris un chouilla de retard pour cette chronique) avec la sortie de cette bombe qu'est Scar the Martyr, side-project de Joey Jordison, batteur de SlipKnot et guitariste des Murderdolls.

Scar the Martyr, c'est quoi ? Pour faire simple, c'est la combinaison de tout ce qui se fait au niveau du nu-metal, ce qui va, grosso modo (et selon moi, toujours selon moi), de SlipKnot (évidemment), à Coheed and Cambria, pour le chant, sur Cruel Ocean, avec une sorte d'indécision permanente (pas du tout regrettable), entre un chant limite auto-tuned et une grosse rythmique appuyée, des breaks de batterie calés (le contraire m'aurait surpris et affreusement déçu) par dessus laquelle on s'attend à entendre Corey débarquer en growlant. Cette tendance déboule directement sur le morceau suivant, Blood Host, sorti en single et qui a eu le droit à son clip. La parenté de SlipKnot, n'est, sur ce morceau, vraiment plus à remettre en doute, tant au niveau des guitares (Joey Jordison, mesdames et messieurs) que de la batterie. Mais le chant est, littéraement, Tayloresque. Des murmures schizophrènes à la voix claire et gentille, en passant par un growl stupéfiant. Henry Derek, vous êtes un génie. Certainement LE morceau de cet album, même si le reste est tout aussi fascinant. Dans Anatomy of an Erinyes, on retrouve une structure, et un son, proche de ce qu'à pu fournir Gojira dans L'Enfant Sauvage, notamment avec les percussions à la fin du morceau

Fascinant dans sa complexité, fascinant dans sa structure. Joey Jordison est un génie. Il a enregistré les guitares rythmiques et les basses pour cet album, en plus de la batterie. Le travail est dantesque, puisqu'aucun morceau ne fait moins de quatre minutes (en dehors de l'intro et de Sign of the Omeneye, mais c'est une interlude, donc bon). Quatorze morceaux, oui, j'ai bien dit quatorze sur l'édition normale, quinze pour l'édition japonaise. Déjà, quel groupe se casserait le cul à faire quatorze morceaux pour une édition normale ? Quand on sait qu'on tape à dix-huit pour l'édition bonus, et qu'on arrive même, attention, accrochez-vous bien à vingt-deux pour l'édition B-sides, je veux dire, quel groupe aujourd'hui peut se permettre de réunir autant de matériel audio pour un seul album ? La plupart des groupes seront dans une logique de marchandisation et feront deux albums de onze pistes. Surtout que la quantité ne l'emporte pas sur la qualité. Même les claviers de Chris Vrenna rajoutent une atmosphère aux morceaux, comme sur Prayer for Prey. 

Le gros gros point de cet album est donc, et c'est pour cela qu'il était attendu avec tant d'impatience, sa batterie. Comment passer à côté de ce side-project du batteur le plus en vue, avec une technique de monstre et un sens de la musicalité aussi impressionant. Les guitares rythmiques sont parfaites, tant au niveau du son que de la mise en place avec la batterie. C'est là, aussi, à mon humble avis, le gros point fort de cet album : la mise en place est juste stupéfiante. Contrairement aux groupes de metalcore qui s'arrangent pour faire tomber leur rythmique sur la grosse caisse, là, les guitares tombent sur l'ensemble, toms et cymbales compris. Totalement stupéfiant.

Je vous laisse avec White Nights in a Day Room, morceau plus calme, clairement orienté nu-metal, avec des inspirations à la Deftones, notamment au niveau des voix, des textures sonores, qui monte en puissance au fur et à mesure, avec cette montée de toms. Une voix claire qui se rapproche, encore, de celle de Corey. On aura vraiment du mal à décrocher de SlipKnot avec ce genre de pépite.

J'ai vraiment du mal à trouver des points négatifs sur cet album. Pour moi, il est parfait. 10/10. 

J'aurai toujours un rictus quand j'entendrai les illuminés catholiques dire que le metal, c'est la musique du Diable, que c'est fait par Satan et que la disto pervertit les esprits. Ce concept me reste encore aujourd'hui étrange, alors que j'essaie de comprendre les mécanismes de la haine envers le metal. En dehors du black metal finlandais, j'entends. Parce que eux donnent raison aux cathos extrêmes et discréditent un peu le message principal du metal : on peut tous vivre dans une paix relative si l'on s'en donne la peine. Et si c'était ça, ce que la religion détestait, au fond, dans le metal ? Ce message d'espoir et ce message de paix ?

Et cependant, on voit fleurir, surtout aux États-Unis, des groupes de christiancore, qui, avec un metalcore ravageur, font passer des textes à fondement religieux. Mais attention, juste le fondement, la paix, l'amour de son prochain, le partage. Rien que le titre de cet album renvoie à cette idée "Sauve et Rétablis". Les fondements de la religion ! Aider son prochain pour qu'il se sente mieux. La base. Sans fioritures ni dénigrements.

Le génie d'August Burns Red tient en deux choses, principalement : leurs textes et le génie de composition. Et à partir de là, comment ne pas atteindre des sommets ? Leurs instrumentalisations sont aussi pure que leurs textes, les trouvailles se font par caisses, et c'est ça qui frappe. Tordre le cou au préjugé du "le metalleux, ça sait faire que gueuler, jouer fort et en disto maximale". Comme ils nous l'avaient montré dans leur précédent album, notamment avec Internal Cannon, avec sa partie flamencore et Jake qui joue de la cloche, Rescue and Restore nous prouve que la musicalité s'impose, petit à petit. Parce que les interludes musicales dans les morceaux se sont vite imposées comme marque de fabrique du groupe et ont pris plus d'importance dans ce dernier album, comme Treatment et son improbable, mais néanmoins magnifique, break de guitare acousitque, accompagné de violons et de contrebasses. Et Matt Greiner qui cartonne sa batterie avec une finesse, elle aussi, improbable. Improbable, aussi, l'idée de mettre le chant derrière les instruments dans ce morceau édifiant qu'est Creative Captivity, cette intro avec des sonorités chinoises est étrange, mais tout le reste se rajoute autour d'une manière naturelle. Ces petites sonorités étrangères à mes oreilles donnent un second souffle au morceau, comme cette fin avec une trompette qui me donne envie de me lever et de partir pour le Mexique. 


Les paroles, comme je l'ai dit, tiennent du génie, tant elles renvoient à des choses basiques et, au fond, tellement humaines, qu'on peut tous les ressentir, au moins une fois. Comme le break de Spirit Breaker. "My dearest love, I woke up tired today, even more so than yesterday. How that's possible, I don't even know, nor do I want to. It's hard to find the motivation when you are this drained. My body aches but I'm used to feeling this way. Seventeen down, seventeen to go. That's not so bad, right ? I think of home often, and of you even more. Yesterday I saw the sun shining. It appeared for a few minutes, just after two. For a moment I found myself smiling, as if those short rays of light were enough to get me by. Maybe that was enough. Thanks God. I needed that". Ou encore le magnifique "chorus" de Fault Line qui m'a collé des frissons lors de la première écoute "If I could do more, I promise you I would, but this is your time now". La seconde volée qui m'a laissé chaos, c'est tout le passage chanté sur ces guitares clean dans Beauty in Tragedy "Tomorrow, the air will be a little colder, but I'll be sure to breath for both of us. And the nights may be a little darker, but I'll be sure to carry the torch to warm the hearts. They're never gonna have to feel yours. I can hear your voice, I can't hear your voice. But that's okay, 'cause I can feel you in my heart". Toute l'émotion, dans la voix de Jake, qui s'engouffre en toi, il me semble impossible de résister quand il chante / parle (pour me défendre, j'ai très peu l'habitude de l'entendre chanter en voix claire, donc je ne sais pas comment ça rend).

Je note aussi l'apparition de choeurs typés hardcore, qui n'étaient pas là auparavant, comme dans Sincerity où, avec de simples "He will remain", on se prend un mur en pleine face. Ou encore celui, de Fault Line "Just don't call me your hero". Ou encore la dernière phrase de Echoes "The open road is what I need to breath freely. Free me". 



Un très très bon album, qui aurait cependant gagné en efficacité en ayant plus de choeurs hardcore et plus de passages où la violence diminue pour laisser place à des instrumentalisations plus calmes qui permettent de mieux apprécier chaque morceau où elles sont placées. Comme je l'ai dit, le génie d'August Burns Red tient en deux fondements, l'écriture qui renvoie à des sentiments simples et partagés, mais surtout, un sens de la composition hors du commun, un sens de la musique, aussi, qui leur permet de varier les influences de chaque morceau. En espérant que l'album de 2015 (oui, leurs albums sortent avec une régularité de deux années entre chaque) tiennent plus de cette pépite que des autres albums plus axés metal. Et évidemment géniaux. L'un des meilleurs albums de 2013, pour moi, qui offre une fraîcheur dans le monde du metal et place August Burns Red dans la cour des grands. Un (petit) 8/10, pour ma part.

Je n'avais jamais écouté les Deftones. Pour moi, c'était un groupe de nu-metal dans la même veine que Limp Bizkit ou KoRn. Quelque chose de difficilement écoutable, de mon point de vue. Parce que le nu-metal met en exergue un mélange de rap et de metal ce qui était faisable à une époque très précise, quand les deux genres étaient au sommet et avaient une grosse visibilité médiatique. J'étais tombé, à une époque, sur leur sublime reprise de Simple Man, qui m'avait laissé pantois. Et, par le plus grand des hasards, je suis tombé sur Koi No Yokan il y a une dizaine de jours.

Cette chronique sera relativement courte, l'album étant sorti en Novembre 2012, que je n'ai pas une grande connaissance de l'univers du groupe, et puisque vous l'avez, certainement pour la plupart déjà usé jusqu'à la corde. 

Il y a quand même une chose à noter, avant de commencer vraiment, c'est que, pour moi, chaque album des Deftones, malgré l'étiquette de nu-metal qu'on veut lui coller, ne se case pas dans un style particulier. Et pour cause, chaque musicien semble vouloir partir dans une direction particulière, et c'est certainement ce qui donne cette sonorité si particulière au groupe. Chino, sonne plus dans le rock alternatif (un peu comme Chester Bennington et Mike Shinoda), Stephen Carpenter essayant de mener le groupe dans un son plus metal. Deux polarités vraiment distinctives du son des Deftones, qui tirent le groupe dans une atmosphère qui n'avait jamais été matérialisée auparavant.

Cet album, est, avant tout, un exercice de style pour le groupe, je pense, qui doit durablement penser à son avenir sans Chi Cheng, tombé dans le coma suite à un accident en 2008. Le 13 Avril 2013, celui-ci décèdera. Il est aussi un exercice important pour Sergio Vega, qui enregistre son deuxième album, après Diamond Eyes, en 2010. L'apport de Vega, sur cet opus, est nettement plus important que sur l'album à la chouette, notamment sur Swerve City, ou le couplet prend quasiment tout son relief avec un simple son de basse. Le jeu de Franky Delgado se fait moins "platinisant", et plus axé sur les claviers et les arrangements électros, contrairement à ce qui a été fait sur les quelques morceaux des premiers albums que j'ai écouté. 

L'amplitude de voix de Chino Moreno est aussi un des points forts de cet album, autant mélancolique qu'enragé, il couvre toute une palette musicale qui s'éloigne fortement du nu-metal et qui nous permet, tout du moins à moi, de vraiment apprécier l'apport musical du groupe et des musiciens qui sont derrière, comme sur Poltergeist, ou, encore une fois, la basse de Vega est d'une force chirurgicale.

Je ne pouvais pas faire la chronique de cet album sans parler d'Entombed, ce magnifique morceau planant et limite orgasmique. Le tapping de Carpenter sur sa huit cordes est d'une efficacité sans pareille et fait de ce riff certainement le plus beau et le plus énigmatique de l'album. Le synthé vient se placer parfaitement au niveau de la basse et la complète presque. Une grosse caisse mise en exergue par une prod assez incroyable, un jeu de batterie tout en nuance, avec des hauteurs pondues au millimètre près. Du grand art. Presque aussi bon que Change, sur l'album White Pony. 

Un album magnifique, très loin du metal alternatif / nu-metal des premiers albums qui a, pour principale force, la présence de Sergio Vega qui compense le jeu de Chi Cheng, ce qui n'avait pas vraiment été prouvé sur Diamond Eyes. Ici, il prouve toute la puissance et toute l'amplitude de son jeu. Koi No Yokan avance une tracklist tantôt lumineuse et optimiste, tantôt sombre et mélancolique, qui colle parfaitement avec les gros tubes du groupe (ceux que je considère comme tels, évidemment). Koi No Yokan a aussi tourné la page de Chi Cheng, remplacé par un très efficace Sergio Vega qui ne se contente plus de suivre Carpenter et de faire des rythmiques basiques. Une grosse présence de la basse non-négligeable qui donne tous ses contours et ses reliefs à cet album.

Le grunge est, techinquement parlant, un mouvement musical datant du début des années 90 et qui s'est terminé à peu près à la fin de cette décennie, pour cause de mort de Kurt Cobain et de Layne Staley, les deux figures de proue du mouvement (à savoir des poètes maudits et torturés). Pour moi, et en simplifiant un peu, le grunge se sépare en trois écoles : le grunge influencé par le punk, représenté par Nirvana; celui influencé par le blues-rock, qui est représenté par Pearl Jam, et enfin, le grunge psyché, représenté par Alice in Chains. Le grunge est donc un univers musical à part entière puisque, et c'est là que je voulais en venir, le grunge s'inspire plus des univers musicaux déjà créés qu'il n'est capable de s'inventer (en terme de style, pas de production ni de création, évidemment). C'était là la principale limite du genre, que la plupart des groupes ont su dépasser.

Ce fut le cas avec AiC, qui a réussi ce coup de force de mélanger la quintessence de la musique psychédélique avec la force du grunge est la lourdeur du stoner pour faire de leur musique ce melting pot presque inqualifiable (mais tellement doux à écouter) qui avait tant marché dans les années 90. Vingt ans plus tard, le groupe revient avec un album des plus efficaces, et ce, depuis Dirt (si on ne considère pas Jar of Flies comme un album). Ce stoner déboule en force sur les deux Hollow et Stone, les deux singles de cet album. Hollow, qui offre un chant dédoublé dès le départ nous met déjà dans la confusion : qui est le principal chanteur ? Jerry ? William ? 

Le coup de force de cet opus est de revenir sur l'époque Staley, notamment avec le titre éponyme balade angoissante qui nous rappelle Love, Hate, Love, et, d'une manière plus générale le très étrange et angoissant Facelift, ce qui n'avait pas été fait en 2009, Black Gives Way to Blue se rapprochant plus d'un testament et d'une ode funéraire au regretté Layne. Il suffit, pour s'en convaincre, d'écouter la chanson éponyme, ou le somptueux titre When the Sun Rose Again, où l'on pourrait comprendre que Cantrell a fait son deuil et est prêt à reprendre la route. Cet album marquait aussi l'arrivée de William DuVall, qui avait la lourde tâche de reprendre le flambeau de Staley. Tâche qu'il a réussi avec succès, puisqu'il a été gardé comme chanteur principal. 

The Devil Put Dinosaurs Here est, comme je l'ai dit, l'un des albums d'Alice in Chains les plus réussis, pour deux raisons principales : la première, c'est que Jerry Cantrell a réussi à faire table rase du passé et se lance à corps perdu dans ce qu'il fait (principal compositeur et parolier du groupe) et n'a plus peur de faire du Alice in Chains pour faire du Alice in Chains. Ils l'avaient fait, sur Black Gives Way to Blue, mais c'était toujours assez timide, notamment sur Acid Bubble. Ici, dès Pretty Done, on retrouve les mélodies angoissantes qui ont fait les beaux jours de Facelift, notamment. Des rythmiques angoissantes utilisées en complément d'un chant lugubre, voire macabre, qui revient inlassablement. 
La deuxième raison, c'est que William DuVall a tout de suite réussi à trouver sa place en tant que chanteur principal et guitariste rythmique. Encore que la notion de chanteur principal est assez désuette quand on parle de AiC, puisque Cantrell chante quasiment sur tous les morceaux, et ce depuis 1989.

Toute la force stoner-grunge du groupe se retrouve, de nouveau, mise à contribution sur cet album, force qui avait été laissé à part sur le précédent opus, sûrement pour retrouver un certain équilibre. Impossible de passer à côté de la force de Stone, de sa rythmique sombre et de son chant tout aussi énigmatique. Accents stoner qui reviennent aussi du côté de Hung on a Hook et Lab Monkey, morceau où la voix de Cantrell se fait de plus en plus énigmatique, parfois oppressante, parfois plus lumineuse. La force du groupe vient aussi de fait que les deux voix se complètement, même si les hauteurs ne sont pas les mêmes, la voix de DuVall, plus grave, rattrape celle de Cantrell, plus aiguë. Même si les sonorités de ces deux morceaux sonnent 90's (comme le solo de Lab Monkey), il y a eu une indéniable évolution du son, beaucoup plus précis et beaucoup plus nuancé. Hung on a Hook nous permet de vraiment appréhender la voix de William, pour une fois sans ambiguïté (contrairement au reste de l'album). Scalpel nous renvoie, immanquablement, à When the Sun Rose Again, cette atmosphère acoustique que rien ne vient occulter, sans, néanmoins, trouver le même équilibre dans les voix, dans l'harmonisation et la mélodie. Ce morceau nous renvoie aussi du côté de Jar of Flies, où le monde de l'acoustique se marie tellement bien aux mélodies stoner.

Le groupe ne se prive pas non plus d'envolées mélodiques, comme la fin de Breath on a Window, où, en plus d'un chant vraiment pur, Cantrell nous plante une guitare psychédélique dont la beauté et la justesse par rapport au chant et à l'ambiance générale est impossible à nier. Choke se place dans ce même contexte, dans cette même bulle. Morceau de fin d'album juste génial, une pépite dans son genre, qui est presque indescriptible, tellement l'univers musical fourmille de génie (et pourtant, y'a pas d'instru spéciale, quoi, c'est juste une basse, une batterie et deux guitares). Le génie est là, alors pourquoi se priver ? Ce n'est même pas un excès d'un égo démesuré, c'est clairement une pièce de maître de Jerry Cantrell, pour moi le meilleur morceau de l'album. 

Seul morceau plus "faible" de cet album, Voices, qui nous renvoie, immanquablement lui aussi, au merveilleux EP Jar of Flies, plus calme et plus soft au niveau de la disto, qui, au regard de l'ensemble manque un peu de pêche et de force. Même au bout de plusieurs écoutes, c'est avec ce morceau que j'ai du mal.


J'ai mis du temps à comprendre pourquoi cet album m'avait bloqué au niveau de la rédaction de cette chronique. Mais c'est tout simplement parce qu'il est presque impossible de faire la différence entre le chant de William et celui de Jerry, tellement leurs voix sont proches. A partir de là, comment réussir à comprendre les mécanismes mis en place dans cet album pour le faire tellement sonner Alice in Chains 90's ? C'est peut-être l'un des points négatifs de l'album, que j'avais déjà constaté sur le précédent : même si techniquement et musicalement, il n'y a rien à redire, les deux voix sont trop proches, l'utilisation des deux chants en même temps est peut-être ce qui pousse à la Confusion, ce qui n'avait pas lieu dans la période Staley.